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家中的一通電話，曾是串連生活與情感的細線。 在基隆的童年回憶裡，阿公為了家計，常在深夜接起港口臨時工的來電，走入碼頭的機械聲與燈影；阿嬤則撥打電視歌唱節目，點播她喜愛的旋律，在歌聲裡編織屬於她的日常。家用電話成為兩個世界的連結，也承載了家族情感的溫度。

作品以成長背景的「仙洞巖」為起點，透過感官民族誌的方法，回望並反思個人記憶如何在日常媒介之間被拆解、轉譯與重構。藉由聲音與影像的感知經驗，探尋記憶流動的軌跡，也回應家庭與時間交織的微妙情感。

A single phone call once threaded together the rhythms of daily life and affection.In my childhood memories of Keelung, my grandfather would answer late-night calls from the harbor, stepping into the mechanical sounds and lamplight of the docks to earn a living; my grandmother would dial into televised singing programs, requesting her favorite songs and weaving her days through melodies. That ringing phone connected their worlds and carried the warmth of family.

Rooted in my childhood surroundings of Fairy Cave, the work employs a sensory ethnographic approach to revisit and reflect on how personal memory is deconstructed and reconstructed through everyday media. Through the interplay of sound and image, it traces the fluid movement of memory and the subtle emotions woven between family and time.

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我們習慣將手機調成靜音模式，讓它在社會的共同空間裡「安靜地存在」。 但在每一次輕微的震動中，外界的訊息仍持續滲入，撩動我們的感知與注意。 也許是一則訊息、一個通知、一場未知的連結， 這些微小的擾動在日常裡構成了情緒的地景與節奏。

《微幅震動—靜音模式》將這份無聲的互動轉化為感知的裝置體驗。 觀眾被邀請將手機調至震動模式， 在放置與等待的過程中，日常的震動被放大、延展， 化作可視的波動與光影的起伏， 讓「看不見的震動」成為共感的浪潮。

真正的震動，從不喧嘩，而是潛伏於我們的日常， 提醒著我們——即使在靜音之中，連結仍在發生，感知仍在流動。

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當記憶成為心靈的庇護所，我以孩提時曾造訪日本九州的高千穗峽為靈感出發點，創造出一處如夢境般的超現實場景。這不是對現實地景的重現，而是一場心靈洄游——透過潛意識折射出的記憶片段，建構一個專屬於內在的避風港。

作品融合Dreamcore與Liminal Space的概念，呈現模糊、懷舊又超脫的氛圍。觀者以第一人稱視角漂行於峽谷水面，「水」象徵記憶與遺忘，「瀑布」如潰堤的潛意識奔騰而下。沿途漂浮著「床」、「CRT電視」、「小學課桌」等記憶物件，它們脫離原有語境，卻異常潔淨、彷彿本就屬於此處，組構出一種抽離而溫柔的陌生感。

靈感亦來自形而上繪畫與超現實大師如De Chirico與Magritte，他們擅長透過不合邏輯的物件擺放製造出詩性的異質空間。這些錯置的室內物件在自然中重組，正是心靈中失序但真實的片段。夢境般的空間，不再受現實規則束縛，而成為進入潛意識的門扉。

這個「虛擬庇護所」不僅是對過去的回望，也是對現實壓力的一種回應。它讓我們短暫卸下外界角色與期望，穿越象徵性的中介狀態，與內在更真實的自我相遇——在漂浮的記憶與靜謐的水面之中，看見被遺忘的那一部分自己。

作品場景以 Unreal Engine 搭建，原為四面環景投影的沉浸式體驗，本次展覽則以短影片形式呈現，延續其夢境般的氛圍與感知流動。

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《她們的雨季》從女兒的凝視出發，回望母親在時間流動中的樣貌。在成長與分離之間，我重新看見母親，也重新理解「照顧」的重量。這部片記錄了我們再次靠近的過程。當母職不再只是責任，而是被生活推著前進的狀態。愛，也開始有了不同的形狀。

"The Rains We Share" starts with a daughter looking at her mother through the camera. As time passes and we grow apart, I begin to see her in a different way and finally understand what “care” really means. This film captures how we slowly get close again. When being a mother is no longer just a duty, but something shaped by life and time, love changes too.

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《餘震之軀》

痛 是延遲的訊號。

先響的 是體內一聲清脆。像竹折，乾淨、利落。

手肘停在空中，骨斷離， 肌肉仍努力的hold住，只是不自主的晃動。

左手托起右手扶著 突然陌生的自己。一句冷冷的說：「送醫院」

十年以後，疼痛失焦。 霧化成粉色，像殘酷被開了柔光。

當時來不及痛。 只有震盪，與胸腔裡 一個空白。

記憶是波。游泳時。畫畫時。 公車窗外陷入失神的時候。

餘震仍在，只是變色。 粉紅，也能是疼的餘光。

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LLM會把觀眾輸入的東西思考之後，用不同的音樂組合與動畫來回應。想要試試看這種方式到底有沒有效。

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在這樣的微幅震動之中，我的作品試圖為那些被城市噪音掩蓋、在傳統記譜中缺席的非人之聲，尋找另一條被感知的路徑。透過將聲音數據轉譯為纖維紋理，讓觸覺成為傾聽的方式；當觀者用手觸碰織物，聲音便得以被喚醒。它既回應了那些細微卻真實存在的聲響，也回應了策展所強調的——在日常縫隙中，練習捕捉與回應那些悄然發生的感知震動。Within these subtle tremors, my work seeks a path for non-human voices—those masked by urban noise and absent from traditional notation—to be perceived anew. By translating sound data into fiber textures, it allows touch to become a form of listening; when viewers place their hands upon the woven surface, the sounds are reawakened. In doing so, it responds not only to the faint yet persistent echoes of these voices, but also to the curatorial call to attend to the quiet vibrations that arise in the interstices of everyday life.

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本系列駐村作品延續了藝術家持續進行的經血顯影計劃，將身體最私密且長期被污名化的流體引入攝影史，作為挑戰影像存檔與觀看機制的實驗。此項技術是以十九世紀的蛋白印相術為出發點，一項曾消耗數以百萬計之雞蛋、在攝影工業中將母雞生殖物質轉化為標準化資源的歷史技法作為背景脈絡，並以經血部分取代蛋白構築替代存檔系統，將身體記憶可視化，透過影像媒介存檔。經血與蛋既皆是身體變化的具象物，也更是污名與壓迫的記憶承載體，不僅挑戰影像技術的中立性，也揭露觀看機制中對陰性身體的排除與規範。

在駐村期間，藝術家探查了新街溪的歷史與現況，追索這條河流裡被反覆壓迫與忽視的記憶。它既供應灌溉，也承接工業與都市廢水，出海口曾被棄置大量垃圾，夏季亦常出現魚群暴斃。河道如今被納入航空城徵收範圍，與國道高架、捷運系統邊界重疊，淪為可供調度的基座。水雖是都市生存不可或缺的根基，卻也經常被視為可犧牲的資源，映照出陰性身體同樣被使用、被忽視、被壓抑的類似處境。

作品中相紙上疊覆了蛋液、經血與河水三種流體，蛋液延續了蛋白印相的歷史負擔，經血則是藝術家的進入田野的肉身。影像中血液的斑駁、水流痕跡、渦旋、出海口的油汙彼此重疊，構成內在潮汐與外部水流的交互，斑駁與沉積轉化為影像上的紋理，像是身體記憶與河川傷痕互相回聲成為抵抗的殘留。

This series of works is part of the artist’s ongoing menstrual blood imaging project, developed during the residency at SLY art space. They introduces the body’s most private and long-stigmatized fluid into the history of photography, framing it as an experiment that challenges the mechanisms of visual archiving and spectatorship. The technique begins from the nineteenth-century albumen print process, a historical method that consumed millions of eggs and transformed the reproductive material of hens into standardized resources for the photographic industry. Against this backdrop, menstrual blood partially replaces the albumen to construct an alternative archival system, making bodily memory visible and inscribing it through the photographic medium. Both menstrual blood and eggs are tangible markers of bodily change, yet they also serve as carriers of stigma and oppression. Their use not only questions the neutrality of photographic technology but also exposes the exclusion and regulation of the female-assigned body embedded in the act of seeing.

During the residency, the artist investigated the history and present condition of the Xinjie River, tracing the repeatedly oppressed and overlooked memories it contains. The river has served both as irrigation source and as receptacle for industrial and urban wastewater; its estuary once became a dumping ground for waste, and massive fish die-offs have often occurred in the summer. Today the river channel has been absorbed into the Taoyuan Aerotropolis expropriation zone, overlapping with the borders of highways and MRT systems, reduced to a base that can be administratively maneuvered. Although water is indispensable for urban survival, it is persistently treated as a disposable resource—mirroring the way the feminine body, too, is used, ignored, and repressed. In the work, three fluids—egg white, menstrual blood, and river water—are layered onto the photographic paper. Egg white carries the historical burden of the albumen process, while menstrual blood embodies the artist’s corporeal entry into the field. The images emerge from the overlap of blood stains, water traces, vortices, and oil slicks from the estuary, staging an interplay between inner tides and external currents. Stains and sediment transform into textures on the image surface, where bodily memory and the river’s wounds echo one another, leaving behind residues of resistance.

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《自我複製體》啟發自帕斯卡三角形模2機制（Pascal Triangle mod 2），並融合細胞自動機（Cellular Automata）中細胞局部演化邏輯，嘗試以「鄰域關係」作為生成條件的核心角色。傳統細胞自動機多仰賴固定的鄰域設定（如 Moore 或 Von Neumann鄰域），而本作品將鄰域視為可自由調變的參數，讓參與者自行設置。    在模擬過程中可觀察到，於多種非典型鄰域組合下，依然會生成具自相似性質的 fractal 圖樣，如帕斯卡三角形模2機制 與 Ulam-Warburton Automaton 所展現的結構。這些圖樣在2的冪次世代下呈現出圖案自我重複現象。    此作品不僅是對結構與複雜性的演算法模擬，也隱喻著生命體在生長過程中不斷複製自我的形狀記憶。

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Physarum Polycephalum，俗稱黏菌，是一種多核單細胞生物，能夠在無神經、無中心控制的情況下展現出驚異的智慧行為。黏菌的本體是一個原形質體，其內部的細胞質像液體般被擠壓、牽動，主動搜尋食物來源。這些擴張行為並非由許多獨立個體進行選擇，而是源自於整體內部的壓力梯度、原形質流動與肌動蛋白驅動的收縮節律所構成的回饋調節機制。    啟發自細胞自動機與最短路徑演算法，《人工黏菌實驗》嘗試模擬黏菌在覓食階段中自由探索食物源的擴散行為，並重現其由起始點向外蔓延至養分的自然路徑軌跡，可觀察出菌逐漸形成如同樹幹與枝節般的網絡結構。    展覽中，參與者可自由設定黏菌的起始點與食物位置，繪製障礙物，觀察黏菌如何因應空間條件而調整擴散路徑，進行選擇、繞行與融合。透過視覺化演化過程，進一步思考其作為一種人工生命實驗的可能。

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靈魂如氣體充滿肉身，貼合其形，隱伏於皮膚之下。它難以被直接看見，唯獨在溢出的瞬間顯現。《奇觀》透過計算連續影格之間的差異，實時捕捉動態影像，形成近似靈魂輪廓的殘影。透過這些線索，觀者意識到自身與技術之間，存在未被言說的真實。

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《動態構形首飾》以可動結構為設計核心，探討光在結構運動下的動態表現。本系列藉由不同的機構形式，使戒指在旋轉或角度變化時，光線於表面流動並產生多層次的反射。材質上結合金屬框架的理性構造與漆藝螺鈿的感性光澤，透過工藝與結構的交織，創造如寶石般的光彩。

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在壓抑的包裝中，一隻鼠蜷縮著，傳來微幅震動——那是牠的心跳，也是牠掙扎活著的證明。牠此刻難以呼吸，並非出於自願，而是呼吸的權利被強行剝奪。即便如此，牠仍奮力撐開包裝的一角，試圖換取一絲空氣，對抗那無聲的命運。   這件作品不只象徵著體制或極端的壓迫，更映照出日常生活中無數微小、卻從未停歇的奮鬥時刻：當我們直面家庭、工作與社會的層層壓力時，每個人都如同這隻鼠，在不充分萬全的條件中，奮力地呼吸。在這一刻，生命不再是脆弱的，而是「存活」這件事本身，所發出的最堅定的聲響。

Inside the oppressive packaging, a mouse curls up, its body emitting faint tremors—heartbeats, and proof of a life struggling to persist. Its inability to breathe is not a matter of choice, but the result of a forcibly severed right to air. And yet, it tries to pry open a corner of the packaging, seeking a sliver of air—resisting a silent fate. This work symbolizes not only systemic or extreme oppression, but also the countless, quiet acts of resistance in everyday life. When confronted with the layered pressures of family, work, and society, each of us, like the mouse, struggles to breathe under insufficient conditions. In such moments, life is no longer fragile—it becomes a firm, resonant assertion of the will to survive.

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